Bebop归档 - 爵士猫 JazzMore

Mary Lou Williams

玛丽·卢·威廉姆斯（Mary Lou Williams，本名 Mary Elfrieda Scruggs，1910 年 5 月 8 日生于亚特兰大，1981 年 5 月 28 日卒于北卡罗来纳州达勒姆）是美国爵士钢琴家、作曲家与编曲家。她在匹兹堡的东利伯蒂区长大，幼年就能凭听觉在钢琴上复现听到的曲子，被邻里叫作“小钢琴女孩”；少年时代她在匹兹堡的酒馆、剧院为舞者与默片伴奏，十几岁便已靠音乐谋生。

1925 年她与萨克斯手 John Williams 结婚，1929 年随 Andy Kirk 的 Twelve Clouds of Joy 走上巡演之路，1930 年代成为这支堪萨斯城乐队的钢琴手与主要编曲。她编排的《Until the Real Thing Comes Along》(1936) 成为大热唱片，《Walkin' and Swingin'》《Mary's Idea》《Little Joe from Chicago》等曲子也出自这一时期——在一个由男性编曲主导的行业里，她靠的是对声部层次与舞曲节奏的精确计算。

1940 年代她定居纽约，为 Duke Ellington 改写《Trumpet No End》，也为 Benny Goodman 写曲；她在哈莱姆的公寓成了 Dizzy Gillespie、Thelonious Monk、Bud Powell、Tadd Dameron 等年轻乐手聚谈、试奏的场所，被后世视为比波普诞生的重要温床之一。1945 年 12 月 31 日，她在市政厅首演《Zodiac Suite》，以十二星座写成十二段爵士组曲，1945 年为 Asch 唱片录制，是爵士乐最早以组曲形式处理抽象主题的作品之一。

1954 年她受洗成为天主教徒，一度停止演出、专心处理信仰与音乐的关系，1957 年后重返乐坛，作品转向宗教与历史主题：1964 年她创办 Mary Records，出版与合唱团合作的《Black Christ of the Andes》，1970 年写作《Music for Peace》，1974 年录制《Zoning》。晚年她在杜克大学担任驻校艺术家（1977–1981），以《The History of Jazz》(1978) 讲述爵士乐的演化，并留下《Live at the Cookery》(1976) 与和 Cecil Taylor 合作的《Embraced》(1978) 等录音。

Mary Lou Williams 在钢琴前，1938–1948 年间，William P. Gottlieb 摄。公共领域；来源：Wikimedia Commons。

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Emmet Cohen

Emmet Cohen 是美国爵士钢琴家、作曲家、乐队领队及教育者，也是当代爵士乐中积极连接传统与新一代音乐人的代表人物之一。他 3 岁开始接受铃木教学法钢琴训练，早年便展现出鲜明的音乐感与技巧。此后，他逐渐形成兼具清晰触键、优雅表达和强烈律动感的个人风格，演奏跨越 stride、摇摆乐、bebop 与现代爵士，既重视爵士传统，也持续发展属于自己的声音。

Cohen 不仅以独奏和三重奏演出受到关注，也长期与不同世代的爵士乐手合作。他领导 Emmet Cohen Trio，并策划 Masters Legacy Series，通过专辑、现场演出与访谈向爵士大师致敬。该系列合作对象包括 Jimmy Cobb、Ron Carter、Benny Golson、Albert “Tootie” Heath、George Coleman 和 Houston Person 等乐手。Cohen 既担任钢琴家，也参与制作，希望借由合作与交流延续爵士乐的口述传统，并为年轻音乐人创造与资深乐手同台学习的机会。

2020 年疫情期间，Cohen 推出线上演出系列 Live From Emmet’s Place，邀请多位音乐家在纽约的空间中共同演奏。节目将现场爵士演出带给更广泛的观众，也成为他推动音乐交流和培育新秀的平台。除了演出与录音，他还从事爵士教育，并参与巡演及音乐节策划。

Cohen 于 2019 年获得 American Pianists Awards，并获 Cole Porter Fellowship。他拥有 Manhattan School of Music 硕士学位，大学阶段就读于 University of Miami Frost School of Music。作为 Mack Avenue 唱片旗下艺人，他的专辑包括 Future Stride（2021）、Uptown in Orbit（2022）、Vibe Provider（2024）及 Universal Truth（2026）。他曾在 Carnegie Hall、Village Vanguard、Birdland 等场地演出，也参与 Newport、Monterey 等爵士音乐节。

照片来源：Emmet Cohen 官方 Gallery

照片来源：Blue Note Tokyo

照片来源：University of Chicago Presents

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Caity Gyorgy

凯蒂·乔治 · 1998 年 5 月 25 日生于卡尔加里

歌手 · 加拿大卡尔加里

Caity Gyorgy（名字读作“George”）是加拿大爵士歌手，1998 年 5 月 25 日生于卡尔加里，先后毕业于汉博学院音乐专业与麦吉尔大学爵士演奏硕士。她以演唱 bebop 与 swing 见长，深受 Great American Songbook 美学影响，坚持原创词曲创作，其作品曾获 2021 年 John Lennon 词曲大赛爵士组大奖。她签约布鲁克林厂牌 La Reserve Records，先后三次荣获 Juno Award 年度爵士演唱专辑奖：EP《Now Pronouncing: Caity Gyorgy》(2021)、首张 LP《Featuring》(2022) 与《Hello! How Are You?》(2024)；另与钢琴家 Mark Limacher 合作二重奏专辑《You're Alike, You Two》(2023) 与《Asking For Trouble》(2025)，以及弦乐专辑《Caity Gyorgy with Strings》(2025)。她在加拿大、美国、墨西哥、芬兰、日本等地巡演，并在 Instagram 与 TikTok 拥有十余万年轻粉丝。

https://www.caitygyorgy.com

代表作品　《Featuring》(2022) · 《Hello! How Are You?》(2024) · 《Caity Gyorgy with Strings》(2025)

个人主页（官方网站）

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Xhosa Cole

索萨·科尔 · 1996 或 1997 年生于伯明翰 Handsworth

次中音萨克斯 · 英国伯明翰

英国次中音萨克斯手，1996或1997年出生于伯明翰Handsworth。2018年获BBC年度青年爵士音乐家，2019年获英国议会爵士奖“年度爵士新秀”，被视为伯明翰Soweto Kinch、Shabaka Hutchings之后的新一代萨克斯代表。2021年在Stoney Lane发行首张专辑《K(no)w Them, K(no)w Us》，演绎美国歌本经典，获《金融时报》盛赞“成熟而视野开阔”；2022年发行第二张《Ibeji》，与七位非洲裔打击乐手录制二重奏，探索约鲁巴文化中的双生主题；2025年发行第三张《On A Modern Genius Vol.1》，重新演绎塞隆尼斯·蒙克曲目。曾两度登上BBC逍遥音乐会舞台，近年以“FreeMonk”项目活跃于欧洲俱乐部与音乐节，2026年在Vortex Jazz Club有驻场演出。

https://xhosacole.bandcamp.com/album/ibeji

代表作品　《K(no)w Them, K(no)w Us》(2021) · 《Ibeji》(2022) · 《On A Modern Genius Vol.1》(2025)

个人主页（官方 Bandcamp（官网 xhosacole.com 搜集时暂时无法访问））

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Charles Mingus

Biography

American jazz double bass player and pianist, composer, bandleader, and civil rights activist.
Born April 22, 1922 in Nogales, Arizona, USA.
Died January 5, 1979 in Cuernavaca, Mexico (aged 56).
Mingus was a pioneer in double bass technique, he also pioneered in overdubbing and cutting-up/reassembling tapes of different takes in the studio to achieve the best version to put on record. He also authored an autobiographical novel called "Beneath The Underdog". He died from Amyotrophic lateral sclerosis (ALS or Lou Gehrig's disease).

Also known as: A. Mingus, A. Sipiagin, Baron Mingus, C .Mingus, C Mingus, C. MIngus, C. Mingus, C. Mingus & His Rhythm, C.M., C.MIngus, C.Mingus, Cahrles Mingus, Ch. Mingus, Chales Mingus, Char. Mingus, Charles, Charles "Barron" Mingus, Charles 'Baron' Mingus, Charles Mingus Jr., Charles Mingus, Jr., Charlie Mingue, Charlie Mingus, Charly Mingus, Chas. Mingus, Chaz. Mingus, Chazz Mingus, Manges, Mingus, Mingus/Charles, Мингус, Ч. Мингус, Чарлз Мингус, Чарли Мингус, Чарльз Мингус, チャーリー・ミンガス, チャールス・ミンガス, チャールス・ミングス, チャールズ・ミンガス

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Dave Brubeck

Biography

American jazz pianist and composer. Born 6 December 1920 in Concord, California, USA, died 5 December 2012 in Norwalk, Connecticut, USA.
Younger brother of composer [a488682].
Husband of [a1006047].
Father of [a265658], [a416302], [a265660], and [a1981452].

Also known as: Brewback, Brn Beck, Brubeck, Brubeckl, Brubek, Bruberk, Brubexk, D Brubeck, D Brubeck, D-Brubeck, D. Brubeck, D.B., D.Brubeck, D: Brubeck, Dave, Dave Blubeck, Dave Brubeck Son Piano Et Ses Rythmes, Dave Brubek, Dave Burbeck, David Brubeck, David W. Brubeck, Prubeck, Брубек, Д. Брубек, Дэйв Брубек, דייב ברובק, デイブ・ブルーベック, デイヴ・ブルーベック, 戴夫布魯貝克

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Bud Powell

巴德·鲍威尔（Bud Powell，1924–1966）是美国爵士乐史上最伟大的钢琴家之一，也是比博普（Bebop）风格的先驱。他的演奏彻底改变了爵士钢琴的技巧，被誉为“钢琴上的查理·帕克”。

以下是根据维基百科整理的精简生平：

1. 早年生活与成名（1924–1944）

音乐世家：鲍威尔出生于纽约哈莱姆区，祖父是吉他手，父亲是钢琴手。他从小接受古典钢琴训练，少年时期便展露出非凡的天赋。
导师蒙克：在哈莱姆的俱乐部里，他遇到了另一位爵士大师塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）。蒙克将他引入了当时正在萌芽的比博普圈子，两人成为了至交。
初露锋芒：1943年，他加入了库提·威廉姆斯（Cootie Williams）的乐队，开始在职业乐坛崭露头角。

2. 人生转折与健康阴影（1945–1955）

暴力遭遇：1945年，鲍威尔在费城遭遇警察毒打，头部受重伤。这次暴力事件导致了他终身的头痛和心理健康问题，此后他频繁出入精神病院，并接受过残酷的电击治疗。
巅峰作品：尽管饱受精神疾病和药物、酒精成瘾的折磨，他在40年代末到50年代初仍录制了大量经典作品（如 Blue Note 时期的录音），确立了他在现代爵士钢琴领域不可撼动的地位。

3. 移居巴黎（1959–1964）

为了躲避美国的种族歧视和生活压力，鲍威尔于1959年移居法国巴黎。在巴黎期间，他受到了法国乐迷弗朗西斯·波德拉斯（Francis Paudras）的悉心照料，生活一度趋于稳定，并留下了许多精彩的现场录音。
这段巴黎岁月后来成为了电影《午夜旋律》（Round Midnight）的灵感来源之一。

4. 晚年与逝世（1964–1966）

1964年，他回到纽约，但此时他已患上肺结核，且精神状态极不稳定。
1966年，鲍威尔在布鲁克林去世，年仅41岁。

历史地位与影响

技法革新：他将萨克斯风般的复杂旋律引入右手弹奏，左手则以简练的切分音和弦配合，打破了以往“大跨度钢琴”（Stride Piano）的局限，定义了现代爵士钢琴的演奏框架。
经典作品：他的代表作包括《Un Poco Loco》、《Bouncing with Bud》、《Parisian Thoroughfare》等，现已成为爵士乐的标准曲目。

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Art Tatum

阿特·塔图姆 (Art Tatum, 1909–1956)

阿特·塔图姆被公认为爵士乐史上最伟大的钢琴家，也是音乐界公认的技巧巅峰。他的演奏不仅深刻影响了爵士乐，甚至让当时的古典钢琴大师如霍洛维茨（Horowitz）都为之惊叹。

1. 视力障碍与天才觉醒

身体挑战：塔图姆出生于俄亥俄州，自幼患有严重的白内障。尽管经历过多次手术，他的一只眼睛全盲，另一只眼睛仅有极其微弱的视力。
自学成才：他通过自学滚轴钢琴（Player Piano）的录音起步。由于他模仿的录音有些是两名钢琴家的“四手联弹”，他误以为那是一个人的演奏，于是练就了常人难以企及的、如同两双手在同时弹奏的惊人语速和复杂声部。

2. “上帝”降临纽约

震惊乐坛：1933 年，塔图姆来到纽约参加了一场传奇的“切琴”大赛（Stride Piano Competition）。他轻而易举地击败了当时的钢琴之王詹姆斯·P·约翰逊（James P. Johnson）和法茨·沃勒（Fats Waller）。
至高评价：沃勒在当晚留下了一句传世名言：“今晚我只是个弹琴的，但‘上帝’就在这屋里。”从此，塔图姆在爵士圈得到了“上帝”的绰号。

3. 录音成就与三重奏

技术革命：他最著名的作品《Tea for Two》展示了在 1930 年代极为罕见的复杂和声替换和极速装饰音。
三重奏与独奏：40 年代他组建了极受欢迎的三重奏。他在去世前几年为诺曼·格兰兹（Norman Granz）录制了海量的个人独奏系列（The Solo Masterpieces），这些录音至今仍是爵士钢琴的百科全书。

4. 逝世与遗产

1956 年，塔图姆因尿毒症在洛杉矶去世，年仅 46 岁。

音乐风格：人类极限的边界

水晶般的精度：塔图姆的指法极快，且每一个音符的力度和清晰度都完美一致。他的快速跑动（Runs）被称为“装饰音的瀑布”。
超前的和声思维：他在 30 年代使用的替代和声和频繁的转调，直接预告了 40 年代现代爵士乐（Bebop）的理论基础。
绝对的独立性：他的左右手可以独立完成极其复杂的对位和节奏重组，这使得他在独奏时能展现出一个交响乐团般的层次感。

核心总结： 阿特·塔图姆是爵士乐界的“珠穆朗玛峰”。他证明了人类在钢琴这件乐器上所能达到的速度、逻辑与美感的极限平衡。

美学思考：对于追求结构精密度的设计师来说，塔图姆的音乐是“高阶拓扑结构”的听觉化呈现——在极高的复杂度中依然保持着完美的对称与逻辑。

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Thelonious Monk

Thelonious Monk 是爵士乐史上最具原创性、最特立独行的钢琴家与作曲家。他是比博普（Bebop）运动的奠基人之一，但他那支离破碎、充满错位感和“不和谐”美学的独特风格，使他成为了爵士乐坛一个无法被归类的孤高存在。在爵士乐历史上，他的作品被翻奏的次数仅次于 Duke Ellington，考虑到 Monk 一生只创作了约 70 首曲子（而 Ellington 有上千首），这一成就堪称奇迹。

Minton’s 剧院与比博普的实验室 (1940s)

出生于北卡罗来纳州，幼年随家迁往纽约哈莱姆。Monk 早期作为“明顿俱乐部”（Minton’s Playhouse）的驻场钢琴师，与 Dizzy Gillespie、Charlie Parker 等人共同实验出了一种全新的音乐语言——比博普。然而，当同辈乐手追求极速的音阶跑动时，Monk 却反其道而行之，专注于奇特的节奏间隔和尖锐的不和谐音程。他在 1944 年为 Cootie Williams 创作了永恒经典《’Round Midnight》，这也成为了他最著名的代表作。

沉默岁月与蓝调之音 (1947–1952)

1940 年代后期到 50 年代初，Monk 在 Blue Note 唱片公司录制了一系列极具前瞻性的作品，如《Epistrophy》和《Straight, No Chaser》。然而，由于他超前的音乐理念超出了当时大众和评论界的理解范围，加上他因为保护朋友 Bud Powell 而卷入毒品官司并被吊销了演出执照（Cabaret Card），他在很长一段时间内陷入了经济窘迫和主流边缘化的状态。

五重奏巅峰与《时代》封面 (1950s–1960s)

1957 年，随着演出执照的恢复，Monk 在“五点咖啡馆”（Five Spot Cafe）与 John Coltrane 进行了传奇性的合作，这被视为爵士乐史上的高光时刻。随后他在 Riverside 唱片公司推出了 《Brilliant Corners》 等名盘。到了 1964 年，Monk 的艺术价值终于获得主流社会的全面认可，他成为了极少数登上《时代》（Time）杂志封面的爵士音乐家之一。

隐遁与落幕 (1970s–1982)

进入 1970 年代后，Monk 的精神状态和身体状况逐渐下滑，他开始变得沉默寡言，并最终彻底退出了公众视线。在他生命的最后十年里，他几乎不再接触钢琴，隐居在挚友 Pannonica de Koenigswarter 男爵夫人的住所中。1982 年，这位爵士乐界的“高僧”因中风去世，享年 64 岁。

3. 音乐风格：沉默与错位的建筑学

打击乐化的钢琴触感：Monk 弹琴时手指几乎不弯曲，而是像敲击乐器一样垂直击键，创造出一种干脆、生硬且极具冲击力的音色。
留白的艺术（Space）：他非常擅长在旋律中突然停顿，利用寂静（Silence）来增强音符的张力。他曾说：“钢琴上没有错误的音符，只有错误的时间。”
怪异的和声与节奏：他钟爱大二度等不和谐音程，即兴演奏充满了锯齿状的线条和突如其来的节奏位移。听他的音乐就像在行走中突然踏空，却又被他精妙设计的逻辑稳稳接住。
舞台行为艺术：在现场演出时，当其他乐手进行独奏，Monk 常常会起身绕着钢琴跳起怪异的转圈舞，这实际上是他感知节奏频率的一种独特方式。

核心总结： Thelonious Monk 是爵士乐界的“解构主义建筑师”。他拆解了传统的旋律和节奏，用看似散落的乐砖构建起了一座结构严密、造型奇诡的精神殿堂。

美学关联：对于从事 3D 建模的设计师来说，Monk 的音乐是“非线性建模”的典范。他拒绝平滑的曲线（Smooth surface），转而追求充满个性和力量感的硬表面（Hard surface）与几何断层，每一处错位都蕴含着极致的逻辑美。

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Coleman Hawkins

在介绍了几位较晚期的巨星后，我们回到爵士乐的根基。这里是关于科尔曼·霍金斯（Coleman Hawkins，1904–1969）的精简生平。

他被称为“爵士次中音萨克斯之父”，绰号“Hawk”（老鹰）或“Bean”（豆子）。在他出现之前，次中音萨克斯在爵士乐中只是个边缘乐器，是他赋予了这个乐器灵魂。

1. 定义次中音萨克斯 (1920s–1934)

萨克斯的先驱：出生于密苏里州，从小学习钢琴、大提琴，9 岁开始接触萨克斯。
亨德森乐团时期：1924 年，他加入弗莱彻·亨德森（Fletcher Henderson）大乐团。在那里，他受到了路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的深刻影响，开始将萨克斯从一种“滑稽”的伴奏乐器转变为一种强有力的、具有歌唱性的即兴独奏乐器。

2. 旅欧岁月与《Body and Soul》 (1934–1939)

避风港欧洲：为了寻求更好的职业机会和尊重，他在 1934 年移居欧洲。他在那里与吉普赛爵士吉他大师金格·莱恩哈特（Django Reinhardt）等名家合作。
神级录音：1939 年回到美国后，他录制了《Body and Soul》。在这段著名的两段独奏中，他几乎完全抛弃了原有旋律，代之以极其复杂的和弦分解即兴。这张唱片轰动了整个乐坛，被公认为爵士乐史上最伟大的独奏之一，也为后来的比博普（Bebop）埋下了种子。

3. 跨越时代的宗师 (1940s–1950s)

提携后辈：与很多老一辈乐手排斥新音乐不同，霍金斯对年轻一代极其包容。1944 年，他领导了史上第一次比博普录音，参与者包括初出茅庐的迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）和麦克斯·罗奇（Max Roach）。
与蒙克合作：他是最早发现塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）天才的人之一，并在早期给予了蒙克极大的支持和录音机会。

4. 晚年与落幕 (1960s)

持续创新：即便到了 60 年代，他依然活跃，曾与杜克·艾灵顿（Duke Ellington）和新派旗手索尼·罗林斯（Sonny Rollins）合作。
落幕：晚年的霍金斯陷入抑郁和酗酒。1969 年，他因肝病去世，享年 64 岁。

艺术风格与地位

雄浑音色：霍金斯的音色宽厚、宏亮，充满了强烈的情感波动（Vibrato）。
垂直即兴：他更倾向于基于和弦结构（Arpeggio）进行纵向即兴，这与莱斯特·扬（Lester Young）那种横向、如流水般的线性即兴形成了鲜明对比，共同构成了现代萨克斯的两大流派。

核心总结： 如果没有科尔曼·霍金斯，萨克斯可能永远不会成为爵士乐的主角。他是力量与深度的代名词，也是从大乐团摇摆乐跨越到现代爵士乐的坚实桥梁。

背景关联：你可能会发现，我们之前提到的克利福德·布朗、巴德·鲍威尔等人的老师辈，很多都曾受过霍金斯的提携或影响。他是那个时代的“定海神针”。

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Dexter Gordon

这里是关于德克斯特·戈登（Dexter Gordon，1923–1990）的精简生平。

他是爵士乐史上最具标志性的次中音萨克斯手之一，身高 1.98 米，因此被称为“Long Tall Dexter”（高个子德克斯特）。他是第一位将比博普（Bebop）风格成功应用在次中音萨克斯上的乐手，也是连接霍金斯与约翰·柯川、索尼·罗林斯之间的关键桥梁。

1. 洛杉矶的比博普先锋 (1940s)

名门之后：出生于洛杉矶的一个医生家庭（父亲曾为杜克·艾灵顿看病）。他 13 岁学单簧管，17 岁转向次中音萨克斯。
乐团洗礼：早期在莱昂内尔·汉普顿和路易斯·阿姆斯特朗的乐队中磨练。
萨克斯对决：40 年代后期，他与沃德尔·格雷（Wardell Gray）的一系列“萨克斯二重奏/对决”（如《The Chase》）轰动一时，这种充满竞技感的演奏方式后来成为了爵士乐的经典形式。

2. 沉沦与复兴 (1950s – 1961)

黑暗十年：50 年代，戈登因深陷毒瘾曾多次入狱，演艺事业陷入低谷。
蓝调之音复兴：1961 年，他加盟 Blue Note 唱片公司，录制了《Doin’ Allright》、《Dexter Calling…》以及被公认为其巅峰之作的专辑 《Go!》。这些作品展现了他如巨人般宽广、成熟且略带“拖拍”（Behind the beat）的标志性节奏感。

3. 欧陆岁月 (1962–1976)

移居巴黎与哥本哈根：由于对美国的种族歧视和毒品环境感到厌倦，戈登移居欧洲长达 14 年。
巅峰录音：在欧洲期间，他与巴德·鲍威尔（Bud Powell）合作录制了神曲《Our Man in Paris》，展现了惊人的创造力。他在欧洲受到了摇滚巨星般的尊重，生活也趋于稳定。

4. 英雄归来与影帝提名 (1976–1990)

凯旋之旅：1976 年回到美国，在纽约“村庄先锋”俱乐部的演出引发了巨大轰动，被视为爵士乐的一次伟大回归。
影坛留名：1986 年，他主演了由贝尔特朗·塔维涅导演的电影 《午夜旋律》（Round Midnight）。他在片中饰演一个落魄的爵士乐手，其本色出演让他获得了奥斯卡最佳男主角提名。
落幕：1990 年因肾衰竭在费城去世，享年 67 岁。

艺术风格与影响

标志性音色：戈登的音色极大且具有空间感，听起来非常自信。
独特的“拖拍”：他喜欢在节拍的边缘游走，这种略显慵懒但节奏感极佳的风格（Behind the beat）是他的个人标签。
引用大师：他在即兴中极富幽默感，常会出其不意地引用其他名曲（如《祝你生日快乐》甚至瓦格纳的歌剧片段）。
仪式感：在吹奏慢板乐曲前，他习惯先向观众朗诵歌词，以帮助听众理解音乐的情绪。

核心总结： 德克斯特·戈登是爵士乐界的“优雅巨人”。他融合了科尔曼·霍金斯的厚重力量与莱斯特·扬的灵动流畅，并将其带入了现代爵士的语境。

背景关联：戈登曾是约翰·柯川和索尼·罗林斯早期的主要模仿对象，后来当这两位后辈成名后，戈登又反过来吸收了他们的“硬博普”元素。这种跨时代的互相影响在爵士乐史上非常罕见且动人。

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Sonny Rollins

Sonny Rollins 被公认为爵士乐史上最伟大的次中音萨克斯风演奏家之一，绰号 “Newk”。他是硬博普（Hard Bop）时代的标志性人物，也是即兴演奏领域中“动机开发”的大师。他在长达七十年的职业生涯中，以其强大的肺活量、坚硬的音色以及数次在事业巅峰期突然隐退潜修的传奇经历，成为了爵士乐界“自我超越”的象征。

咆哮时代的金童 (1940s–1954)

出生于纽约哈莱姆的一个西印度群岛移民家庭，Rollins 在青少年时期就展现出惊人的天赋，与 Thelonious Monk、Bud Powell 等比博普先驱共同演出。1950年代初，他加入了 Miles Davis 的乐队，并录制了《Oleo》和《Airegin》等经典原创曲目。然而，他在这一时期也曾深陷毒瘾，为了戒毒并磨练心志，他在1954年第一次主动退出乐坛，前往芝加哥从事体力劳动以洗涤身心。

萨克斯巨擘与《Saxophone Colossus》 (1955–1958)

1955年回归后，Rollins 加入了 Clifford Brown 与 Max Roach 的五重奏，步入艺术创作的爆发期。1956年，他录制了职业生涯最著名的专辑 《Saxophone Colossus》（萨克斯巨人），其中的《St. Thomas》展示了他将加勒比海卡利普索（Calypso）节奏与爵士乐完美融合的能力。他在这一时期确立了无钢琴三重奏（萨克斯、贝斯、鼓）的编制，这种极简的形式赋予了他极大的即兴空间，确立了他作为独奏霸主的地位。

大桥上的隐士与回归 (1959–1971)

1959年，正值事业如日中天，Rollins 再次宣布隐退。由于嫌公寓练习太吵，他在接下来的两年里，每天带着萨克斯来到纽约威廉斯堡大桥（Williamsburg Bridge）上对着东河苦练。1962年，他带着名为 《The Bridge》 的专辑强势回归，展示了更加深邃且具实验性的音色。60年代后期，他远赴印度学习瑜伽和冥想，探索音乐背后的精神力量。

跨界探索与晚年荣誉 (1972–2010s)

1970年代起，Rollins 并不排斥放克（Funk）和融合乐，甚至在 Rolling Stones 乐队的专辑中留下了经典的独奏。他在舞台上的演奏极其慷慨，往往一个即兴段落就能持续数十分钟。2011年，他获得了奥巴马颁发的美国国家艺术勋章，并于2014年左右因呼吸系统问题正式停止公开演奏，但他至今仍是爵士乐界的精神灯塔。

3. 音乐风格：逻辑与力量的化身

动机即兴（Thematic Improvisation）：Rollins 最卓越的天赋在于，他能抓住一个极简单的旋律碎片（动机），像搭积木一样通过节奏位移、倒置和变奏，将其延展成宏大的乐章。
坚韧饱满的音色：他的萨克斯音色带有明显的金属质感和颗粒感，听起来既有力量又充满幽默感。他常在严肃的即兴中加入一些通俗的小调或者讽刺性的乐句。
无死角的节奏感：即使在没有钢琴支撑的情况下，他也能通过萨克斯本身的重音和停顿营造出极其强烈的摇摆感（Swing）。

核心总结： Sonny Rollins 是爵士乐界的“修行者”。他用一生诠释了如何通过严苛的自律与不断的自我解构，将一件管乐器变成思考与修行载体。

美学关联：对于追求结构强度与动态平衡的 3D 设计师来说，Rollins 的音乐是“生成式建模（Generative Modeling）”的绝佳体现。他从一个简单的点出发，不断自我迭代，最终演化出极其复杂且充满张力的拓扑结构。

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Charlie Parker

查尔斯·帕克二世（Charles Parker Jr.，1920年8月29日－1955年3月12日）

查尔斯·帕克二世，绰号“鸟”（Bird）或“雅德伯德”（Yardbird），是一位美国爵士萨克斯管演奏家、乐队领队和作曲家。

帕克是一位极具影响力的独奏家，也是比波普爵士乐（Bebop）发展中的领军人物。比波普爵士乐是一种以快速节奏、精湛技巧和复杂和声为特征的爵士乐形式。他是一位技艺精湛的演奏家，为爵士乐引入了革命性的节奏和和声理念，包括快速经过和弦、变音和弦的新变体以及和弦替代。帕克主要演奏中音萨克斯管。

帕克是嬉皮士亚文化和后来的垮掉一代的偶像，他将爵士音乐家塑造成一位不妥协的艺术家和知识分子，而不仅仅是一位娱乐者。

早期生活

小查尔斯·帕克于1920年8月29日出生于堪萨斯州堪萨斯城。他的父亲是老查尔斯·帕克，母亲是阿德莱德·“艾迪”·贝利。他的父亲曾是铁路卧铺车厢服务员，也是一名巡演钢琴家和歌手，对帕克的音乐产生了一定影响。

11岁：开始学习萨克斯管。
14岁：加入林肯高中乐队，并获得了一支新的中音萨克斯管。
1935年：从高中退学，正式开启职业音乐生涯。

职业生涯

1936–1938 年：即兴演奏和刻苦钻研

1936年初，帕克在一次即兴演奏中因失误被鼓手乔·琼斯扔镲片示意下台。这激励他加倍练习，据称他随后几年每天练习长达15个小时。1936年末，帕克在前往演出途中遭遇严重车祸，导致肋骨和脊椎受伤。他在康复期间进一步磨练了在和弦变化上即兴演奏的能力。

1939–1944年：比波普爵士乐的发展

1939年，帕克移居纽约。在吉米炸鸡店洗碗期间，他听到了钢琴家阿特·塔图姆的演奏。他在练习《切诺基》（Cherokee）时取得了突破，意识到可以利用和弦的高音音程作为旋律线，从而发展出了比波普的语汇。

1942年至1944年间，由于音乐家联合会的录音罢工，这一时期比波普的许多早期发展未能留下录音。他与迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）建立了深厚的友谊，两人共同塑造了这种新风格。

1945–1953年：单飞生涯

1945年：录制了《Ko-Ko》、《Billie’s Bounce》等经典作品。
1946年：在加州经历身心崩溃，并被送往卡马里奥州立精神病院治疗。
1949年：实现了与弦乐组合作的愿望，录制了著名的《查理·帕克与弦乐》。
1953年：在多伦多梅西音乐厅与吉莱斯皮、明格斯等人进行了著名的演出，当时他使用的是一支塑料萨克斯管。

疾病与死亡

帕克长期受海洛因成瘾、酗酒和精神健康问题的困扰。1954年，女儿普里的去世对他打击巨大，导致他曾尝试自杀。

1955年3月12日，帕克在纽约斯坦霍普酒店的帕诺尼卡男爵夫人套房内去世，年仅34岁。官方死因为大叶性肺炎和出血性溃疡。由于长期透支身体，验尸官误以为他的年龄在50至60岁之间。

艺术成就与风格

特点	描述
仿作 (Contrafact)	在现有爵士标准曲目的和弦进行之上创作原创旋律（如《Ornithology》）。
伯德和弦进行	创造了独特的十二小节布鲁斯变形（如《Blues for Alice》）。
节奏创新	灵活运用三连音和弱起音，使独奏更加自由。
重要作品	《Confirmation》、《Anthropology》、《Scrapple from the Apple》、《Yardbird Suite》。

“你可以用四个词来讲述爵士乐的历史：路易斯·阿姆斯特朗，查理·帕克。” —— 迈尔斯·戴维斯

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John Coltrane

关于约翰·柯川（John Coltrane，1926–1967）的生平精简如下：

他是爵士乐史上最伟大的次中音萨克斯手之一，绰号“Trane”。他将爵士乐从一种娱乐形式提升到了精神修行的高度，是爵士乐史上最具影响力的创新者。

1. 磨炼与迈尔斯五重奏 (1940s–1957)

大器晚成：出生于北卡罗来纳州。早期在海军乐队和各种 R&B 乐团中磨练，直到 1955 年加入迈尔斯·戴维斯的五重奏才名声大噪。
戒毒重生：1957 年，他因毒瘾被迈尔斯解雇。在经历了深刻的宗教觉醒后，他戒除了毒瘾和酒瘾，重返乐坛并与塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）进行了极具启发性的合作。

2. “音墙”与调式爵士 (1958–1960)

音墙 (Sheets of Sound)：重回迈尔斯乐队后，他参与了影史巨作 《Kind of Blue》 的录制。同时，他在个人专辑 《Giant Steps》 中展示了极速、复杂且逻辑严密的“音墙”技巧，彻底突破了传统和弦即兴的极限。
高音萨克斯：他重新发掘了被冷落的高音萨克斯（Soprano Sax），录制了爵士史上最成功的改编曲《My Favorite Things》。

3. 经典四重奏与《至高无上的爱》 (1961–1965)

精神巅峰：他与麦考伊·泰纳（钢琴）、吉米·加里森（贝斯）和艾尔文·琼斯（鼓）组成了历史上最强大的四重奏。
神级专辑：1965 年发布了宗教史诗专辑 《至高无上的爱》（A Love Supreme）。这不仅是一张音乐唱片，更是他献给上帝的感谢信，标志着他音乐风格从调式爵士向精神探索的转变。

4. 最后的自由与落幕 (1966–1967)

自由爵士：晚年的柯川彻底打破了节奏和旋律的束缚，录制了 《Ascension》 等极具争议性的自由爵士作品，追求纯粹的情感爆发和灵性超越。
逝世：1967 年，柯川因肝癌去世，年仅 40 岁。

音乐风格：不断进化的探索者

求知欲：柯川是爵士乐界的“苦行僧”，每天练习萨克斯超过 10 小时。他曾说：“我从不觉得我的演奏已经完成了，我总觉得后面还有更好的东西。”
灵性与张力：他的演奏充满了巨大的张力和压迫感，后期作品往往带有仪式般的庄严。
全球视野：他是最早将印度音乐、非洲元素和东方调式引入爵士乐的先驱之一。

核心总结： 约翰·柯川是爵士乐界的“圣徒”。他的音乐不仅是音符的组合，更是一次次向宇宙和神性的叩问。

背景关联：在之前提到的几位大师中，乔·亨德森和德克斯特·戈登都深受柯川的影响。甚至可以说，在 1967 年之后，全世界的次中音萨克斯手都在试图走出柯川留下的巨大阴影。

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Wynton Marsalis

Wynton Marsalis 是当代爵士乐界最具争议也最具权势的巨人。他不仅是一位拥有恐怖技巧的小号演奏家，更是一位高产的作曲家、教育家以及新古典主义爵士乐（Neoclassical Jazz）的旗手。他是历史上首位在同一年内（1983年）同时获得爵士和古典类别格莱美奖的音乐家，彻底打破了两种音乐形式之间的壁垒。

音乐世家与双修天才 (1961–1979)

出生于新奥尔良的音乐名门，父亲 Ellis Marsalis Jr. 是著名的钢琴教育家，哥哥 Branford Marsalis 则是顶尖萨克斯手。Wynton Marsalis 12岁开始专业学习小号，14岁便与新奥尔良爱乐乐团合作演奏海顿的小号协奏曲。17岁时，他进入茱莉亚音乐学院（Juilliard School）深造，由于其在古典和爵士领域表现出的超人天赋，迅速成为纽约乐坛的焦点。

爵士信使与新古典主义浪潮 (1980s)

1980年，年仅19岁的 Wynton Marsalis 加入了 Art Blakey 的 Jazz Messengers（爵士信使），这一经历被视为他职业生涯的转折点。在 80 年代自由爵士和融合爵士逐渐式微的背景下，他发起了一场“回归传统”的运动。他主张重拾 Louis Armstrong、Duke Ellington 以及 Miles Davis 早期作品中的摇摆（Swing）和蓝调（Blues）精神，抵制当时流行的电子化和商业化趋势，这使他成为了“新传统主义”乐手（Young Lions）的领袖。

林肯中心爵士乐团与普利策奖 (1987–至今)

1987年，他参与创办了纽约林肯中心爵士乐部（Jazz at Lincoln Center），并担任艺术总监至今。他将爵士乐制度化、古典化，使其成为像交响乐一样受人尊重的“美国古典音乐”。1997年，他的长篇史诗级作曲 《Blood on the Fields》 获得了普利策音乐奖，这是该奖项历史上首次颁发给爵士乐作品。

文化外交与争议 (2000s–至今)

作为全球爵士文化的“首席发言人”，Wynton Marsalis 致力于通过教育和全球巡演推广爵士乐。然而，他对于“什么是真正的爵士乐”持有极为严苛且保守的定义，曾公开批评 Miles Davis 后期的融合乐以及嘻哈音乐。尽管这种保守立场在评论界引发了持久的争论，但不可否认的是，他凭一己之力复兴了大众对传统爵士乐的关注。

3. 音乐风格：极致的精准与历史的厚度

技术层面的无懈可击：Wynton Marsalis 的演奏以极高的音准、清脆的吐音和宽广的动态范围著称。无论是在演绎极速的比博普（Bebop）乐句，还是复杂的古典协奏曲，他都能展现出令人屏息的控制力。
深耕蓝调与摇摆：他认为蓝调和摇摆律动是爵士乐不可或缺的灵魂。他的即兴往往带有强烈的新奥尔良传统色彩，强调复调对位和群体即兴的魅力。
结构化的作曲思维：作为作曲家，他擅长将爵士大乐团的编制与古典音乐的组曲结构相结合。他的作品往往具有宏大的历史叙事感，探讨种族、自由和美国精神等深刻主题。

核心总结： Wynton Marsalis 是爵士乐界的“教皇”。他用严谨的古典纪律重塑了爵士乐的尊严，在创新的浪潮中筑起了一座坚不可摧的传统堡垒。

美学思考：对于追求秩序与精密结构的 3D 设计师来说，Wynton Marsalis 的音乐就像是一座比例完美的帕特农神庙。每一个音符的排列都经过精心计算，呈现出一种绝对的理性之美。

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Clifford Brown

继几位大师之后，这里是关于克利福德·布朗（Clifford Brown，1930–1956）的精简生平。他是爵士乐史上最令人惋惜的天才之一，在短短 25 年的生命里，他彻底改变了现代爵士小号的演奏方式，是硬博普（Hard Bop）风格的灵魂人物。

1. 少年天才与数学头脑 (1930–1950)

音乐起步：出生于特拉华州威尔明顿的一个音乐家庭。10 岁开始学琴，展现出极高的天赋。
双修才子：他曾作为数学专业的学生就读于特拉华州立大学，之后转入马里兰州立学院。这种逻辑性极强的思维也体现在他日后严谨、流畅且极具结构感的即兴演奏中。

2. 致命车祸与涅槃重生 (1950–1953)

第一次车祸：1950 年，布朗遭遇了一场严重的汽车失事，导致他住院一年。在住院期间，爵士大师迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）曾亲自去医院看望并鼓励他。
重返乐坛：康复后，他先是在 R&B 乐队中磨练，随后加入了塔德·达姆隆（Tadd Dameron）和莱昂内尔·汉普顿（Lionel Hampton）的乐团。1954 年，他与阿特·布莱基（Art Blakey）在 Birdland 录制的现场专辑成为了硬博普乐派的奠基之作。

3. 布朗-罗奇五重奏的巅峰 (1954–1956)

梦幻组合：1954 年，他与传奇鼓手麦克斯·罗奇（Max Roach）组建了著名的“Clifford Brown/Max Roach Quintet”。这个组合被视为爵士乐史上最完美的硬博普乐团之一。
完美典范：布朗以极其纯净的音色、惊人的演奏速度和富有逻辑的乐句著称。更重要的是，他在那个毒品泛滥的年代坚持健康、自律的生活方式，成为了索尼·罗林斯（Sonny Rollins）等乐手的榜样。

4. 巨星陨落 (1956)

悲剧重演：1956 年 6 月 26 日凌晨，布朗与钢琴手里奇·鲍威尔（奇克·考瑞阿提到的巴德·鲍威尔的弟弟）及其妻子在前往芝加哥的途中遭遇车祸。由于雨天路滑，车辆失控，年仅 25 岁的布朗不幸遇难。
后世怀念：他的离去震惊了整个乐坛。萨克斯手本尼·戈尔森（Benny Golson）为此创作了著名的悲歌《I Remember Clifford》，成为爵士乐史上最动人的致敬曲目。

艺术风格与遗产

技巧巅峰：他的演奏将迪兹·吉莱斯皮的力量感与法茨·纳瓦罗（Fats Navarro）的音色美感完美融合，每一段即兴都像经过精心构思一般严丝合缝。
精神遗产：布朗证明了不靠药物和疯狂，仅仅依靠自律和练习，也能达到爵士乐艺术的巅峰。

核心总结： 克利福德·布朗是爵士乐界的“流星”，虽然耀眼的时间极短，但其亮度足以照亮后世所有的小号手。他是纯净技巧与高尚人格的化身。

关联发现：在前面介绍的生平中，奇克·考瑞阿曾提到巴德·鲍威尔，而克利福德·布朗正是和巴德的弟弟里奇·鲍威尔一起遇难的。爵士黄金时代的这些天才们，命运往往紧密交织在一起。

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Dizzy Gillespie

在前几位大师的铺垫下，我们迎来了爵士乐史上最伟大的“活宝”与导师——迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie，1917–1993）。

如果说查理·帕克是比博普（Bebop）的灵魂，那么迪兹就是它的大脑、外交官和传教士。他不仅拥有惊人的演奏技巧，还是极少数能将复杂的乐理知识传授给后辈的大师。

1. 比博普的共同创始者 (1940s)

革命战友：他与查理·帕克共同构思并推进了比博普革命。迪兹对和声（尤其是“降五度”音程）的深刻理解，为这种音乐提供了理论支撑。
第一张波普唱片：1944 年，他参与了由科尔曼·霍金斯领导的史上第一次比博普录音。他的作品《A Night in Tunisia》、《Salt Peanuts》、《Groovin’ High》全是爵士乐的基石。

2. 非洲-古巴爵士（Afro-Cuban Jazz）的先驱 (1947–1950s)

节奏融合：迪兹对节奏极其敏感。1947 年，他将古巴打击乐手查诺·波佐（Chano Pozo）引入乐团，开创了拉丁爵士的先河。名曲《Manteca》完美融合了比博普的复杂和声与非洲-古巴的野性节奏。
大乐团奇迹：在其他波普乐手大多转向小组合时，迪兹成功地领导了多个比博普大乐团，证明了这种前卫音乐也可以拥有宏大的气势。

3. 爵士外交官与“总统”竞选 (1960s–1980s)

文化大使：他是第一位代表美国国务院进行海外文化巡演的爵士乐手，足迹遍布中东和拉丁美洲。
总统竞选：1964 年，他曾开玩笑地宣布竞选美国总统，提议如果当选，将白宫更名为“蓝宫”（The Blues House），并任命迈尔斯·戴维斯为中央情报局局长。这反映了他幽默、无畏且积极参与社会活动的性格。

4. 晚年与导师地位

乐坛伯乐：迪兹以慷慨著称，他发掘并提携了无数后辈，包括古巴小号大师阿图罗·桑多瓦尔（Arturo Sandoval）。
落幕：1993 年因胰腺癌去世，享年 75 岁。

标志性视觉标签

朝天小号：他的小号喇叭口呈 45 度角向上翘起。这起源于一次意外（有人不小心踩到了他的小号），但他发现这种角度能让他更好地听到自己的声音，从此成为了他的专属标志。
鼓胀的脸颊：吹奏时，他的脸颊会像牛蛙一样夸张地鼓起（这在正统吹奏教学中是不被允许的，但他却以此创造了奇迹）。
标志装扮：贝雷帽、黑框眼镜、山羊胡——这成为了全世界“比博普酷儿”的标准像。

音乐风格：速度与智慧

炫技与幽默：他的演奏速度极快，充满了不可思议的高音和复杂的节奏跳跃，但他的音乐从不沉重，总是带着一种“迪兹式”的机智与幽默感。
Scat 唱法：他也是一位伟大的拟声（Scat）歌手，能用人声模仿小号复杂的即兴。

核心总结： 迪兹·吉莱斯皮是爵士乐界的“太阳”。他驱散了比博普那种孤傲、难懂的迷雾，用他的热力和幽默让全世界爱上了这种音乐。他是技术、理论与娱乐精神的终极统一体。

背景关联：你可能会发现，我们之前提到的克利福德·布朗，在第一次车祸住院时，正是受到了迪兹的亲自探望和鼓励才决定坚持音乐道路。迪兹不仅仅是一个乐手，他是整个现代爵士乐的脊梁。

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Miles Davis

Trumpeter, bandleader, and composer
Born May 26, 1926 in Alton, Illinois, USA, died September 28, 1991 in Santa Monica, California, USA (aged 65)

One of the most important figures in jazz history, Davis adopted multiple musical directions in a five-decade career that kept him at the forefront of many major stylistic developments in jazz. His album "[m=5460]" (1959) is the highest selling jazz album ever with over five million copies sold.

Miles settled in New York City to study at Juilliard School. He made his professional debut as a member of [a272028] from 1944 to 1948. In 1948, Davis began to found his own ensembles. At that time, he met [a255137], who contributed to [a497768]'s scores and arrangements. The dozen sides they recorded in 1949-50 were eventually assembled as the LP "[m=62308]" (1957), with Davis and Evans working together again from 1957 on further projects.

Miles Davis was prominent in the creation of the 'Hard Bop' style in the mid-1950s (his first regular quintet featured [a97545]), and the "time, no changes" approach in his second quintet a decade later. In the late 1960s, he introduced electronic instruments and rock and funk rhythms in his music. Around 1975, he went on a hiatus over health and personal problems, re-emerging in 1980.

He married dancer/actress [a7671712] on December 12, 1959; the couple divorced in 1968. He then married singer [a1076460] in September 1968; they divorced in 1970. He then married actress [a6279083] on November 26, 1981; they divorced in 1989. Father of [a680784] and [a1493787]. Uncle of [a279708] (Jr).

Inducted into Rock And Roll Hall of Fame in 2006 (Performer).

Winner of eight Grammy Awards:
- Best Jazz Composition Of More Than Five Minutes Duration for Sketches Of Spain on [m=48172]
- Best Jazz Performance - Large Group Or Soloist With Large Group for [m=8260]
- Best Jazz Instrumental Performance, Soloist for [m=65130]
- Best Jazz Instrumental Performance, Soloist for [m=63355]
- Best Jazz Instrumental Performance, Big Band for [m=62288]
- Best Jazz Instrumental Performance, Soloist (On A Jazz Recording) for [m=62288]
- Best R&B Instrumental Performance for [m=62359]
- Best Large Jazz Ensemble Performance for [m=188032]

by shauncat

The Modern Jazz Sextet

Biography

Jazz group, recorded for Norgran in 1956.

[b]Do not confuse with [a=Modern Jazz Sextet].[/b]

Also known as: Modern Jazz Sekstet, Modern Jazz Sextet, The Modern Jazz Sextett

Members: Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Percy Heath, John Lewis (2), Charlie Persip, Skeeter Best

Links:

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Modern_Jazz_Sextet

请补充中文详细介绍和中文乐评

Zagrebački Jazz Kvartet

Biography

Jazz quartet from Zagreb, Croatia (ex Yugoslavia) active between 1959-1967. 'Zagrebački Jazz Kvartet' was among the first significant jazz ensembles in Croatia. They performed original music inspired with tradition of their country, so their style was often called "Mediterranean Jazz". In 1968, after famous trumpet player [a=Art Farmer] joined the band it was transformed into [a=Zagreb Jazz-Quintet] - Zagrebački Jazz Kvintet .

Members were:
Boško Petrović - vibraphone
Zdravko Šatrak - bass
Zlatko Kružić - piano
Ivica Gereg - drums
Krešimir Remeta - double-bass
Davor Kajfeš - piano
Miljenko Prohaska - double-bass
Silvije Glojnarić - drums

Also known as: The Zagreb Jazz Quartet, ZJQ, Zagreb Jazz Quartet, Zagrebački Džez Kvartet, Загребски Джаз Квартет, Загребский Джазовой Квартет, Члены Загребского Джазового Квартета

Members: Miljenko Prohaska, Ivica Gereg, Silvije Glojnarić, Boško Petrović, Krešimir Remeta, Davor Kajfeš, Zlatko Kružić, Zdravko Šatrak

Links:

http://www.huoku.hr/HTM/ZAGREBACKIJAZZKVARTET.HTM

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Ljubljanski Jazz Ansambel

Biography

Formed by soloists of [a=Plesni Orkester RTV Ljubljana] in 1955. They played traditonal jazz (dixieland). In 1960 they recorded the first jazz record in former Yugoslavia. The first leader was [a=Urban Koder].

Also known as: "Ljubljanski Jazz Ansambel" Sa Gudačima, Ljublj. Jazz Ansambel, Ljublj. Jazz-Ansambl, Ljubljanski Jazz - Ansambl, Ljubljanski Jazz Ansambel Z Godali, Ljubljanski Jazz Ansambel Z Godali, Ljubljanski Jazz Ansambl, Ljubljanski Jazz-Ansambl, Ljubljanski Jazz-ansambl, Ljubljanski Studijski Ansambel, Люблянский Джазовой Ансамбль

Members: Mario Rijavec, Milan Ferlež, Aleksander Skale, Ati Soss, Urban Koder, Miško Hočevar, Franci Puhar, Borut Bučar, Franc Jagodic, Kajetan Zupan, Dušan Veble, Mitja Trtnik, Jože Gjura, Mik Soss

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Jazz Quintet 60

Biography

Danish jazz quintet lead by pianist [a645195], house orchestrater at his restaurant Vingården in Copenhagen. It was with this band double bassist [a285231] debuted professionally as a teenager.

Also known as: 'Jazz Quintet -60', Jazz Kvintet 60, Jazz Quintet '60, Jazz Quintet -60, Jazz Quintet 58, Jazzquintet 60, Quintet

Members: Niels-Henning Ørsted Pedersen, Allan Botschinsky, Bent Axen, Niels Husum, Bjarne Rostvold, Erik Moseholm, Finn Frederiksen, Ole Laumann

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by shauncat

Jazz At Lincoln Center

林肯中心爵士乐团（JALC）是一家位于纽约市的机构。作为林肯中心的一部分，该机构成立于1987年，并于2004年10月在时代华纳中心（现为德意志银行中心）正式启用。该机构致力于“全面展现爵士乐的魅力——涵盖教育、策展、档案和仪式等各个方面”。他们在全球范围内倡导爵士乐、文化和艺术教育。温顿·马萨利斯是该机构的艺术总监，同时也是林肯中心爵士乐团的指挥。

该中心举办管弦乐团和客座音乐家的演出，也是纽约市歌剧院的所在地。许多音乐会都会在该中心的YouTube频道上进行直播。此外，该中心还在其建筑内、线上以及全国各地的学校开展教育项目。

该组织每年通过音乐会（主要演出的 90% 以上座位售罄）、巡回演出、音乐教学项目、乐谱、旗下厂牌（Blue Engine）的唱片以及在其平台 JAZZ LIVE 上的现场表演，惠及约 300 万各个年龄段的人群。

该中心在整栋大楼内都设有大型扬声器，循环播放着艾拉·菲茨杰拉德、迪兹·吉莱斯皮、路易斯·阿姆斯特朗等伟大爵士乐艺术家的音乐。

历史
20世纪80年代中期，林肯中心致力于吸引更多年轻观众。夏季期间，中心场地闲置，因此中心希望在驻场演出团体另觅他处演出时，也能充分利用这些场地。林肯中心的爵士乐爱好者们积极争取爵士乐获得中心的认可。在1986年的一份报告中，中心表示：“林肯中心应该专注于提升课程设置的质量，而像爵士乐这样的领域，并没有令人信服的理由被纳入其中。”此前，时任游客服务总监阿丽娜·布卢姆加登(Alina Bloomgarden)曾第三次提议在林肯中心设立常驻爵士乐项目。当时人们认为爵士乐观众可能会过于喧闹。于是，布卢姆加登决定邀请温顿·马萨利斯(Wynton Marsalis)协助她策划夏季音乐会系列。为了取得成功，这个系列音乐会必须展现出商业可行性，并体现其音乐和社群的价值。

1987年，小号手温顿·马萨利斯参与创办了古典爵士音乐会系列，这是林肯中心首个爵士音乐会系列。该系列音乐会于1987年8月开幕，旨在颂扬爵士乐界的女性音乐家，其中包括贝蒂·卡特、萨莎·道尔顿、玛丽安·麦克帕特兰等。鉴于当时形势严峻，该系列音乐会的成功至关重要。那时，许多伟大的爵士乐创新者已经离世，爵士俱乐部纷纷倒闭，许多高校并未开设爵士乐课程，而电子音乐的商业化浪潮正在兴起。同时，当时的美国社会也处于两极分化时期，许多地方尚未实现种族融合，艾滋病疫情肆虐，冷战加剧了军事化和全球化，罗纳德·里根的禁毒战争导致大规模监禁。到第二年，该系列音乐会便在国家公共广播电台拥有了自己的广播节目，并开始巡回演出。

马萨利斯想要保留的音乐精髓，体现在这套三乐章组曲《新奥尔良仪式》中，其风格模仿了新奥尔良的葬礼进行曲。参与林肯中心爵士乐团创立的斯坦利·克劳奇撰写了一篇热情洋溢的演说，由杰里米·赖特牧师宣读。这篇演说被视为林肯中心爵士乐团未来发展方向的宣言：

“或许，我们这些聆听者从那些曾被当作商品买卖的奴隶的后裔口中，听到了某种永恒的真理——那些曾出现在拍卖台上、奴隶住所里的人们，他们的存在构成了十字架，而这个国家的宪法正是被钉在了这十字架上。然而，即便在那场钉死之后，在美洲奴隶制的第三个世纪里，仍然有人怀揣着自由的愿景站了起来……他们点燃了那根从蜡烛中延伸出来的、充满力量的灯芯，并将其传递下去。他们用音乐诠释了光明的意义——他们不愿屈服于那些自以为是的恶龙，不愿让内心陷入黑暗。他们说：‘仔细听着’——他们说：‘如果你们给我一个公平的机会，我会帮助你们更好地理解民主的意义。’是的，他们正是这么说的。‘如果你们给我一个公平的机会，我会帮助你们更好地理解民主的意义。’这些人，才是真正创造高贵之声的人。”

林肯中心董事会成员兼创始主席戈登·戴维斯(Gordon Davis)看到了夏季音乐会系列的成功，并倡导设立常设爵士乐项目。董事会同意了他的提议，到1996年，林肯中心爵士乐团(Jazz at Lincoln Center)与纽约爱乐乐团、纽约市芭蕾舞团、大都会歌剧院以及欧洲艺术中心一起，成为正式成员。1996年，林肯中心爵士乐团的预算为400万美元，而大都会歌剧院的预算则高达1.5亿美元。2016年，其预算超过5000万美元。温顿·马萨利斯(Wynton Marsalis)自1987年起担任艺术总监。格雷格·斯科尔(Greg Scholl)于2012年成为执行董事。

2026年1月，林肯中心爵士乐团在密苏里州圣路易斯市的谢尔顿剧院演出。马萨利斯指挥林肯中心爵士乐团，该乐团除了在阿佩尔厅和罗斯剧院演出外，还进行广泛的国际巡演。音乐会也会在线直播。教育节目则在中心的YouTube频道播出。自2015年以来，乐团的专辑均由其自有厂牌Blue Engine Records发行。

该中心通过其“艾灵顿精髓”（Essentially Ellington）项目向高中推广爵士乐课程。专业音乐家则通过“让自由摇摆”（Let Freedom Swing）项目访问学校。该中心在纽约市开办了中学爵士乐学院、高中爵士乐学院和暑期学院，所有课程均免收学费。每年，该中心的管弦乐队都会在美国各地巡回演出并访问学校。“艾灵顿精髓”高中爵士乐队比赛和音乐节每年都在林肯中心爵士乐厅举行。

2026年1月，马萨利斯宣布他将于2027年7月卸任艺术总监一职，之后担任顾问至2028年6月。马萨利斯在一次采访中表示：“现在正是寻找下一代领导者的最佳时机……我们希望尽我们所能，培育我们已经建立的一切，因为我们深知这是一种艺术形式，它会不断发展，而这个机构也会继续繁荣发展。”不过，他仍会偶尔与林肯中心爵士乐团合作演出。

林肯中心建筑物指南

塞缪尔·B·和戴维·罗斯大楼（含沃尔特·里德剧院）
茱莉亚音乐学院
爱丽丝·塔利音乐厅
薇薇安·博蒙特剧院（包括米齐·E·纽豪斯剧院和克莱尔·托剧院）
埃莉诺布宁梦露电影中心
大卫·格芬·霍尔
纽约公共图书馆表演艺术分馆（包括布鲁诺·瓦尔特礼堂）
大都会歌剧院
乔西·罗伯逊广场和雷夫森喷泉
达姆罗什公园
大卫·H·科赫剧院
大卫·鲁宾斯坦中庭
林肯中心爵士乐

玫瑰堂

玫瑰剧院，2007年

120码1313 林肯中心爵士乐13 林肯中心爵士乐121111 大卫·H·科赫剧院11 大卫·H·科赫剧院10达姆罗什公园 10 号达姆罗什公园 10 号99号乔西·罗伯逊广场，雷夫森喷泉9号乔西·罗伯逊广场，雷夫森喷泉88 大都会歌剧院8 大都会歌剧院77. 纽约公共图书馆表演艺术分馆（包括布鲁诺·瓦尔特礼堂）7. 纽约公共图书馆表演艺术分馆（包括布鲁诺·瓦尔特礼堂）66 大卫·格芬大厅6 大卫·格芬大厅55 埃莉诺布宁梦露电影中心5 埃莉诺布宁梦露电影中心44. 薇薇安·博蒙特剧院（包括米齐·E·纽豪斯剧院和克莱尔·托剧院）4. 薇薇安·博蒙特剧院（包括米齐·E·纽豪斯剧院和克莱尔·托剧院）33 爱丽丝·塔利大厅3 爱丽丝·塔利大厅22 茱莉亚音乐学院2 茱莉亚音乐学院11. 塞缪尔·B·和戴维·罗斯大楼（含沃尔特·里德剧院）1. 塞缪尔·B·和戴维·罗斯大楼（含沃尔特·里德剧院）

弗雷德里克·P·罗斯音乐厅（Frederick P. Rose Hall）是一座表演艺术中心，由拉斐尔·维诺利（Rafael Viñoly ）设计，位于德意志银行中心（原时代华纳中心）五楼。这座耗资1.31亿美元的设施于2004年秋季开放，是世界上首个完全致力于爵士乐的表演、教育和广播中心。它的设计旨在展现爵士乐温暖而清晰的音质。罗斯音乐厅由三个场地组成：罗斯剧院（Rose Theater）、阿佩尔厅（Appel Room）[ 12 ]和以小号手迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）命名的迪兹俱乐部（Dizzy’s Club）。音乐厅内还设有艾琳·戴蒙德教育中心（Irene Diamond Education Center），配备排练室和录音室。该音乐厅的选址曾因位于哥伦布圆环的高档购物中心内，且距离四个街区外的林肯中心主楼较为偏僻而受到批评。林肯中心爵士乐协会（Jazz at Lincoln Center）反驳称，这座消费主义的殿堂“展现了源于自由斗争的音乐，这种音乐鼓励演奏者和听众追求更高的理想”。[ 13 ]

林肯中心爵士乐之夜
2025年，林肯中心爵士乐之夜，玫瑰厅的标志清晰可见。
林肯中心爵士乐团的领导们着手建造一座音响效果适合摇摆乐和布鲁斯爵士乐的场馆。他们还希望这座场馆能够妥善安置该机构的教育和档案工作。为了吸引更多观众，马萨利斯与爵士乐以外的流行音乐家合作，包括史蒂夫·旺德、保罗·西蒙和鲍勃·迪伦。这不仅吸引了更多观众，也使得摇摆乐、摇滚乐和节奏布鲁斯之间的融合成为可能，呈现出丰富的张力。[ 4 ]

罗斯剧院采用“箱中箱”式结构，与林肯中心爵士乐的其他演出厅没有刚性结构连接。该剧院拥有1233个座位，可灵活适应歌剧、舞蹈、戏剧、电影和管弦乐演出。为了最大限度地减少外部噪音，保持安静私密的氛围，剧院地面铺设了橡胶隔音垫。为了保持灵活性，罗斯剧院配备了可移动的座椅塔，可切换为音乐会模式和剧院模式。在音乐会模式下，座椅位于乐手后方和周围，起到声学和视觉辅助作用。这种设计也增加了音乐会的座位数量。在剧院模式下，座椅塔收纳于气垫系统中。当歌剧、芭蕾舞或现代舞需要舞台布景时，这种设计可以将其变成一个平台。[需要引用]

阿佩尔厅设有583个座位，氛围轻松私密。厅内通常设有七个独立的座位层，但也可转换为四个，以便于跳舞和走动。厅内有一面50英尺高的玻璃墙，可俯瞰中央公园。这面墙略微向上倾斜，使声音能够从中庭和舞台监听器直接反射到天花板。天花板和走道上悬挂着吸音板，用于扩散和吸收声音。

迪兹俱乐部（Dizzy’s Club ）以美国爵士小号手迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）的名字命名，由可口可乐公司赞助，设有140个座位，旨在打造一个私密的爵士乐俱乐部，供现场三重奏、钢琴家和歌手演出。从俱乐部可以欣赏到哥伦布圆环和中央公园的城市景观。俱乐部的设计理念是营造一种“黄金般”的音响效果，以促进艺术家与观众的互动（类似于早期纽约的爵士俱乐部）。

by shauncat

The Jazz Couriers

Biography

Quintet in existence from 1957 to 1959.

Also known as: The Couriers Of Jazz

Members: Ronnie Scott, Jeff Clyne, Tubby Hayes, Kenny Napper, Terry Shannon, Bill Eyden, Phil Bates, Phil Seamen

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The Great Jazz Trio

Also known as: G.J.T., GJT, Great Jazz Trio, Great Jazz Trio+1, The Great Jazz Trio & Friends, The Great Jazz Trio +, ザ・グレイト・ジャズ・トリオ, ザ・グレート・ジャズ・トリオ

Members: Ron Carter, Elvin Jones, Buddy Williams, Jack DeJohnette, Jimmy Cobb, Billy Hart, John Patitucci, David Finck, Omar Hakim, Mads Vinding, Anthony Williams, Richard Davis (2), Hank Jones, Al Foster, Eddie Gomez, Lee Pearson (2), Jerome Jennings, David Wong, Yosuke Inoue

Links:

https://www.allmusic.com/artist/the-great-jazz-trio-mn0000070710

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Latin Jazz Quintet

Also known as: Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet, Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet, Juan Amalbert´s Latin Jazz Quintet, L.A. Jazz, Latin Jazz 5, Latin Jazz Quartet, Latin Septet, The Latin Jazz Quartet, The Latin Jazz Quintet, The Latin Jazz Quintett, The Latin-Jazz Quintet, ザ・ラテン・ジャズ・クインテット

Members: Virgil Jones, Tommy Derrick, Tommy Lopez, Sr., Bill Ellington, Juan Amalbert, Charlie Simons

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Jazz At The Philharmonic

Biography

Jazz At The Philharmonic is a trademark used by jazz entrepreneur and label owner [a=Norman Granz].

Please note: When used as a banner for the ever-changing jam session groups in his touring events or on records, Jazz At The Philharmonic can be used as main artist. But only when Jazz At The Philharmonic is billed on the release in the main artist's place - and when no other obvious main artist is billed on the release or promoted on cover and labels.

Norman Granz's Jazz at the Philharmonic releases do not follow a usual industry pattern for naming and crediting:

All JATP releases with the name and/or logo on them should be listed under the [l=Norman Granz Presents Jazz At The Philharmonic] series, even when Jazz At The Philharmonic is used as main artist. The shorter Jazz At The Philharmonic or any other variation of JatP ahould never be listed as a label, but instead as a series, with the relevant label in brackets afterward if necessary - such as [l=Norman Granz Presents Jazz At The Philharmonic (Verve)].

Company: In the 50's with the Inc. extension, the entity was also a company; [l=Jazz At The Philharmonic, Inc.]

Office: 451 N Canon Dr, Beverly Hills, CA

Also known as: J.A.T.P., J.A.T.P. All Stars, J.A.T.P. All-Stars, JATP, JATP All Stars, JATP All-Stars, Jazz All Stars, Jazz At The Philharmonic All Stars, Jazz At The Philharmonic All-Stars, Jazz At The Philharmonic Concert, Jazz At The Philharmonic Vol. 5, Jazz at the Philharmonic All-Stars, Norman Grantz' Jazz At The Philharmonic, Norman Granz "Jazz At The Philharmonic", Norman Granz Jazz, Norman Granz Jazz At The Philharmonic, Norman Granz' J.A.T.P., Norman Granz' Jazz At The Philharmonic, Norman Granz' Jazz At The Philharmonic Vol. #1, The All Stars, The JATP ALL-STARS, The JATP All Stars, The JATP's, The JATPs, The Jazz All Stars, The Jazz At The Philharmonic All-Stars

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Art Blakey & The Jazz Messengers

Biography

Archetypal hard-bop group of the late 1950s, most date their origin to 1954 or '55 when the first recordings credited to the band appeared.
Playing a driving, aggressive extension of bop with pronounced blues roots, the group continued until [url=http://www.discogs.com/artist/29977-Art-Blakey]Blakey[/url]'s death in 1990.
The name Jazz Messengers had been used by [a=Art Blakey] earlier, but when [a=Horace Silver] and [url=http://www.discogs.com/artist/29977-Art-Blakey]Blakey[/url] began working together in the early 1950's the name had been dormant several years. The Jazz Messengers formed as a collective, nominally led by Silver or Blakey. Blakey credited Silver with reviving the Messengers name for the group. The original lineup of Blakey, Silver, [a=Hank Mobley], & [a=Kenny Dorham], was relatively shortlived. By late 1956 [a=Art Blakey] was the remaining original member.
Over the years the Jazz Messengers served as a springboard for young jazz musicians, a proving ground for young jazz talent.

Also known as: Art Balkey & The Jazz Messengers, Art Blakely With The Original Jazz Messengers, Art Blakely's Messengers, Art Blakey, Art Blakey !!!!! Jazz Messengers !!!!!, Art Blakey & All Star Jazz Messengers, Art Blakey & His Jazz Messengers, Art Blakey & Jazz Messengers, Art Blakey & Les Jazz Messengers, Art Blakey & Les Jazz-Messengers, Art Blakey & The All Star Jazz Messengers, Art Blakey & The All Star Jazzmessengers, Art Blakey & The Jazz Messagers, Art Blakey & The Jazz Messengers Big Band, Art Blakey & The Jazzmessengers, Art Blakey & The Jazzmessengers Big Band, Art Blakey & The Messengers, Art Blakey & The New Jazz Messengers, Art Blakey + The Jazz Messengers, Art Blakey / Jazz Messengers, Art Blakey And His Jazz Messengers, Art Blakey And His Jazz-Messengers, Art Blakey And His Messengers, Art Blakey And His The Jazz Messengers, Art Blakey And Jazz Messengers, Art Blakey And The "Jazz Messengers", Art Blakey And The Jazz Messengers, Art Blakey And The Jazz Messengers Big Band, Art Blakey And The Jazzmessengers, Art Blakey And The Jazzmessengers Big Band, Art Blakey And The Jazzmessengers III, Art Blakey Et Les Jazz Messengers, Art Blakey Et Les Jazz-Messengers, Art Blakey Et The Jazz Messengers, Art Blakey Jazz Messengers, Art Blakey With The Jazz Messengers, Art Blakey With The Original Jazz Messengers, Art Blakey Y Los Jazz Messengers, Art Blakey Y Los Jazz-Messengers, Art Blakey Y Los Mensajeros Del Jazz, Art Blakey Y Los Nuevos Mensajeros Del Jazz, Art Blakey Y The Jazz Messengers, Art Blakey and The Jazz Messengers, Art Blakey and the Jazz Messengers, Art Blakey y Los Jazz-Messengers, Art Blakey • Bud Powell • Barney Wilen And The Jazz Messengers, Art Blakey's Jazz Messengers, Art Blakey's Jazz Messengers Plus Four, Art Blakey's Messengers, Art Blakey's The Jazz Messengers, Art Blakeys Jazz Messengers, Art Blakey’s Jazz Messengers, Jazz Messengers, Jazz Messengers & Art Blakey, Jazzmessengers, Les Jazz Messengers, Les Jazz Messengers D'Art Blakey, Los Jazz Messengers, Original Jazz Messengers, The Art Blakey Jazz Messengers, The Jazz Messengers, The Jazz Messengers Featuring Art Blakey, The Jazz Messengers With Art Blakey, The Reunion Jazz Messengers, Ансамбль "Jazz Messengers" п/у А. Блейки, Джаз Месенджерс, アート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズ, アート・ブレイキーとジャズ・メッセンジャーズ, アート・ブレイキー＆ザ・ジャズ・メッセンジャーズ, ザ・ジャズ・メッセンジャーズ

Members: Carlos Garnett, Donald Byrd, Horace Silver, Lee Morgan, Art Blakey, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Barney Wilen, Donald Harrison, Robin Eubanks, Stanley Clarke, Chuck Mangione, Benny Green, Javon Jackson, Jackie McLean, Ray Mantilla, Ramon Morris, Hank Mobley, Cedar Walton, Reggie Workman, Keith Jarrett, Benny Golson, Johnny Griffin, J.J. Johnson, John Gilmore, Randy Brecker, Doug Watkins, Kenny Dorham, George Cables, Woody Shaw, Reggie Johnson, Curtis Fuller, Nat Bettis, Bobby Timmons, Jymie Merritt, Lucky Thompson, Mickey Tucker, Richard Landrum, Charles Fambrough, Mulgrew Miller, Terence Blanchard, Lonnie Plaxico, Jean Toussaint, Sonny Morgan, Brian Lynch, Billy Pierce, Bobby Watson (2), John Hicks, Johnny O'Neal, Frank Lacy, Dennis Irwin, Peter Washington, Sam Dockery, Bill Hardman, Spanky DeBrest, Cameron Brown, David Schnitter, Walter Davis Jr., James Williams (2), Donald Brown, Albert Dailey, Frank Mitchell, Philip Harper, Essiet Essiet, Mickey Bass, Carter Jefferson, Victor Sproles, Tim Williams (4), Geoff Keezer, Emanuel Boyd, Steve Davis (7), Ronnie Mathews, Emmanuel Abdul-Rahim, Laverne Barker, Buddy Terry, Jan Arnet, Yoshio Suzuki, Lawrence Evans, Valery Ponomarev, Ladjl Camara, David Schmitter

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